Introduccion a Arquitectura

ARQ 3121-002

Diego McElroy Sein

Antoni Gaudí

Antoni Gaudí era un arquitecto catalán muy conocido por sus obras coloridas de forma imaginativas y fantásticas. Este usaba ciertas técnicas que son reconocidos en varias de sus obras. También, su filosofía de vida impactaba su personalidad y sus obras igualmente. Sus edificaciones son tan artísticamente estilizadas que son consideradas esculturas. 

Se puede describir los s trabajos de Gaudí como fluyen libremente, llenas de curvaturas orgánicas que son coloridas y exuberantes. Sus trabajos combinan lo imaginario con lo natural. Partes de lo cotidiano se mezcla con lo abstracto, creando piezas de arte impresionantes. Empleaba un estilo de decorar con losetas nombrado trencadis, que significaba roto. Este estilo parece un estilo de mosaico colorido. Otras veces se dedicaba a no usar líneas rectas, crenado una escultura residencial interesante.

Gaudí era un hombre devoto a la iglesia, iba 2 veces al día. El afirmaba que su talento para la arquitectura venia de Dios, y quería usarlo para mejorar su país y su ciudad. El incorporaba la belleza de su patria y su historia a sus obras. Igualmente, mezclaba eso con su devoción a la iglesia, recordando e implementando esto en sus proyectos. Su dedicación a su patria se ve en su obra máxima de La Sagrada Familia, obra que Gaudí murió durante la planificación. 

            Las obras de Gaudí tienen una cierta majestad que es creada por los colores vivos y formas interesantes y orgánicas. Sus obras representan y respetan la naturaleza, con formas de arboles, curvaturas naturales y los colores vivos. Gaudí relacionaba la religión, la naturaleza, lo gótico y lo artístico en sus trabajos. La dedicación de Gaudí a su trabajo se ve en La Sagrada Familia, aspiraba a subir y llegar mas arriba hasta el momento que falleció.

Le Corbusier

Charles-Édouard Jeanneret-Gris, mejor conocido por Le Corbusier fue un arquitecto francés, uno de los protagonistas del renacimiento arquitectónico internacional que ocurrió en el siglo 20. Le Corbusier basaba sus obras en la combinación de la geometría y la matemática. Este también desarrolló unas “reglas” para diseñar y desarrollar la arquitectura moderna, las cuales publica en Vers una architecture. Este gran arquitecto pudo organizar una forma para crear arquitectura la cual establece en ciertos puntos que deja para el estudio de los que vienen luego de él.

Le Corbusier no recibe una educación formal en el campo de la arquitectura, pero él basa sus proyectos en las matemáticas y la geometría para darle forma a sus edificaciones. En La Villa Savoye en Francia, el uso de la geometría y la matemática es presente con los ángulos de 90 grados y los pilotes de hormigón que sostienen la casa. Para Le Corbusier, la geometría permite estilizar y dar delicadeza, mientras la matemática permite validar y observar el cálculo. Él considera el ángulo recto el mas importante.  Este demostraba su uso de calculaciones y geometría en sus impresionantes obras.

            En Vers una architecture,Le Corbusier presenta 5 puntos que él encontraba fundamentales para su estilo de arquitectura. El primero siendo el uso de columnas para liberar la planta baja del piso y sostenerla del paisaje. Segundo, creaba un techo plano para poder usar como jardín, etc… La tercera siento una planta libre para minimizar el uso de paredes usando columnas y pilares. La cuarta es una fachada libre que no tiene elementos estructurales, creando un vacío. Y ultimo, las ventanas horizontales que permiten la luz entrar. Estos puntos eran fundamentales en la arquitectura de Le Corbusier.

Le Corbusier era un creador artístico que reconocía la importancia de la matemática y a geometría en la arquitectura. Este las apoyaba tanto que decidió enseñarlas al resto del mundo. Este quería crear algún tipo de unión entre la naturaleza y la arquitectura moderna. Este, con su estilo crea un impacto importante en el transcurso histórico, dejando su huella. 

Ludwid Mies Van der Rohe y lo minimalista

Ludwig Mies Van der Rohe es uno de los arquitectos mas influénciales del siglo 20, conocido por sus aportaciones al modernismo. Van der Rohe empleaba un estilo minimalista en sus proyectos. Igualmente, su filosofía se ve implementada en sus obras, la cual muchos se identifican sin saber su verdadero origen. Su obra mas grande, es el pabellón alemán de Barcelona.

El Pabellón Alemán de Barcelona es uno de las estructuras mas conocidas y emblemáticas del siglo 20. El diseñador de esta edificación es el gran arquitecto Ludwid Mies Van der Rohe. El estilo de este se presenta de una manera única en su obra. Aquí, el recoge la historia de la arquitectura y lo presenta en un proyecto. Con un diseño elegante y delicado, recoge los ideales de funcionalidad con el deseo estético de la modernidad. Con esta obra el da un paso mas hacia el modernismo.

El estilo minimalista de Mies empleaba planos interesantes para dar un sentimiento minimalista. El diseño tenia que demostrar que menos es mas, usando pocas líneas para dar profundidad y espacio. Igualmente, tendría que ser funcional y clásico. Las obras de Mies son simples, rectas, minimalistas, que usan acero vidrio y columnas hechas de piedras como mármol.

Mies Van Der Rohe es conocido alrededor del mundo por su estilo moderno y minimalista. Su uso de diferentes líneas y materiales lo puso en el primer plano de la arquitectura moderna. Su trabajo es extremada impresionante y su filosofía de “menos es mas” puede hizo grandes cambios.

Frank Lloyd Wright y lo moderno

Frank Lloyd Wright es conocido como uno de los mejores arquitectos de américa, revolucionando el mundo de la arquitectura y el diseño con múltiples trabajos. Su estilo fluido de diseñar, conocido como arquitectura orgánica, empezó el pensamiento moderno de la arquitectura. También, con mas de 500 proyectos pudo implementar la naturaleza en muchos de ellos. Lloyd tenia muchas técnicas y formas de diseñar e implementar los recursos locales, usando técnicas modernas. 

            En sus primeros trabajaos el estilo de Lloyd usaba líneas y espacios que fluían libremente. Usaba formas tradicionales pero alteradas. Luego, deseaba usar nuevos materiales para tratar de crear nuevas formas, usando el concreto. Luego pasó a construir un estilo de “prarie house”, con techos bajos pero largas paredes. Este siempre trataba de hacer lo nuevo, usando materiales accesibles, tomando la naturaleza en consideración. Con esta misma idea, crea varios casas impresionantes como: FallingWater , Taliesin , Taliesin West y el gran Guggenheim.

            La filosofía de Lloyd era la harmonía entre la arquitectura y la naturaleza que lo rodea, creando espacios que crean suspenso y misterio. Te pueden dar un sentimiento de estar encima de tus alrededores y parte con la naturaleza, pero a la misma vez no. La naturaleza complementa la arquitecta y viceversa, usualmente usando el ismo material en el exterior que el interior. No dejaba que los elementos chocaban. 

Con mas de 500 trabajos, Frank Lloyd Wright es conocido en todas las partes del mundo por sus proyectos impresionantes. Su estilo orgánico de combinar la naturaleza con la arquitectura de una forma moderna era lo que rompió la norma. Este, con su estilo único es de simetría, , iluminación, y espacios abiertos es recordado como de los mejores arquitectos del mundo por buena razón

Pollock y lo abstracto

Jackson Pollock es conocido como uno de los pioneros en el mundo del arte abstracto. El abstraccionismo es un estilo de arte donde se abstrae el sujeto y e presenta de una forma no naturalista. Rápidamente, Pollock fue conocido como uno de los mas importantes en el abstraccionismo por sus técnicas nuevas y su forma de presentar su arte. Hoy día, este estilo puede dejar espacio para cuestionar el arte y puede confundir. Este gran artista agitó el mundo del arte cuando presento sus obras y lo sigue haciendo hoy día. 

El abstraccionismo es un estilo de arte donde el artista trata de presentar algún acontecimiento, la cual puede ser una imagen, un sentimiento, una memoria, etc., de una forma no pintoresca, simplificando o abstrayendo objetos del día a día. El abstraccionismo puede tratar de explicar sentimiento y la música con imágenes y colores y técnicas para dar forma y profundidad. No hay una guía o algún compás para dar dirección el lo abstracto. Pollock usaba salpicadas de pintura combinadas con barniz de automóvil creando una serie de accidentes controlados, ocasionalmente tirando clavos, hilos y palos en la mezcla. Este tipo de accidente controlado es porque Pollock es conocido.

Pollock, con poco entrenamiento artístico formal, trae una perspectiva nueva del arte, rompiendo barreras en el área del abstraccionismo. El y otros artistas, dicen que el arte necesita innovaciones usando materiales nuevos y accidentes controladas. Artistas como Piet Mondrian apreciaba las obras de Pollock, diciendo que era la mejor pieza que había visto en los Estados Unidos. Pollock, tan impredecible como sus salpicadas de pintura, pasa de pintar figuras estilistamente a mayormente usar sus técnicas de “Paint dripping and splatttering”. Pollock crea un tipo de enredo de colores y pinceladas.

El estilo y la forma de emplear su técnica fue extremadamente audaz e innovadora para su época. Pollock es reconocido entre los cientos de artistas abstraccionistas por su estilo único. Hoy día, sus obras pueden hacerte cuestionar su propósito, y crean duda e un impacto en uno. Este fue un gran artista, empleando su manera de pensar con las técnicas nuevas, creando un estilo único. Pollock demostró que el arte no tiene que presentar algo claramente, puede explicar varias cosas y a la vez, no demostrar nada aparente.

El Misterio de la Cúpula

Hace alrededor de 600 años en Florencia, Italia hubo una explosión en el mundo creativo y durante este periodo se comienza a construir el catedral de Santa Maria del Fiore. Esta catedral tenia propuesta construir una enorme cúpula la cual Felipo Brunelsci decide liderar. También, debido al tamaño, tienen que tomar nuevas técnicas de diseñar y construir para completar el arco. La combinación de la mente misteriosa de Brunelschi y sus nuevas técnicas crean la cúpula impresionante de la catedral de Santa Maria del Fiore.

Felipo Brunelesci no era arquitecto ni ingeniero, su fundamento era en joyería y el trabajo con metales preciosos. Con esto, el aprende como hacer que algo se vea bien estéticamente pero que tenga uso y propósito funcional. Llega un punto de su vida cuando se ofrece a trabajar en la cúpula de la catedral y se topa con la necesidad de construir sin un marco de madera para sostener el peso de la cúpula, estilo “free-form”. La cúpula que el diseña compone de 8 arcos y 2 cúpulas, uno interior y otro exterior. La cúpula comienza alrededor de 1/3 de la base de la catedral, haciendo un enorme espacio para tapar con la construcción. Con esto, Brunelesci logra terminar uno de los hechos mas impresionantes en el mundo de la arquitectura.

            En la construcción de la cúpula, Felipo se topa con varias dificultades, uno siendo la necesidad de mover materiales desde el piso, hasta el área de construcción. Felipo crea una innovación con el “reversed gear”, la cual remplaza el trabajo de humanos con bueyes que hacían el trabajo de alzar y bajar el cargamento. Felipo también tiene que diseñar alguna manera que al construir las paredes de la cúpula de forma “free-form” y que el peso de las paredes no derrumbe la pared. Este decide crear una forma de colocar ladrillos para que los puntos de tensión sean pocas y uniformes en toda la pared. Este estilo se reconoce como espina de pece o “herring bone”. Este proceso hace los ladrillos más fuertes y previene rupturas que posiblemente podrán pasar. También, para asegurar que todas las paredes estén uniformes, Felipo crea una serie de hilos que conectan con la base de la catedral que aseguran que todos los ladrillos están siendo puestas en el lugar correcto y que no haya un punto de ruptura.

            Esta explosión de creatividad vista en Florencia creó muchas impresionantes obras, la cúpula de el catedral de Santa María del Fiore siendo de las mas impresionantes. Felipo Brunelesci, se inmortaliza con la creación de esta majestuosa cúpula.  Este, con sus técnicas de construir y su forma de pensar, rompe las barreras del campo de la arquitectura para su tiempo. Felipo pudo hacer lo que ninguno antes de él pudo hacer. Algún día me encantaría ver esta impresionante hazaña con mis propios ojos.

Building Gothic Cathedrals

Hace alrededor de 1000 años en Europa, hubo una revolución en el mundo de la arquitectura que empujó la edificación de cientos de catedrales usando técnicas nuevas para construir mas elaboradoramente. Este nuevo estilo, conocido como Gótica, empleaba varias técnicas nuevas como el “pointed arch, flying butress y el ribbed vault”. Debido a la implementación del estilo Gótico a las catedrales, hubo competencia entre muchos de los pueblos europeos para ver quien construía la catedral mas impresionante. El estilo Gótico, con los nuevos avances arquitectónicos y la construcción de múltiples catedrales implementando el estilo dejan el estilo Gótico reconocido como de los mas prevalentes e importantes.

El estilo Gótico emplea varias técnicas que permitieron construir sin tener los recursos modernos que tenemos hoy día. El “pointed arch” permitía crear aperturas en paredes y crear espacios para poder instalar puertas o paneles de vidrio, un avance que deja la luz entrar y dar iluminación. El “flying butress” daba soporte adicional al “pointed arch” y recibia la fuerza que le cae encima al arco. El “ribbed vault” es una combinación de 2 “pointed arches” que intersecan para crear un espacio abierto. Esto lleva el peso del techo a las paredes, creando espacio para poner vidrio.

Cuando primero surgen los catedrales Góticos, comienza una “carrera” entre los pueblos de Europa a ver quien construye la catedral más impresionante. Construir en estos tiempos era sumamente difícil, ya que no había tecnología moderna para mover las piezas pesadas. Para construir, se tenia que ir desde el piso, hasta arriba, levantando piezas extremadamente pesadas a mano o con tecnología medieval. Los catedrales, con la implementación del vidrio pintado, trataban de acercar a las personas a Dios con la luz. Estaban muchas veces construidas con números especiales de la biblia en mente, y muchas veces hay referencias del templo de Solomon presentes en las catedrales.

Con el surgimiento del estilo gótico, mucho que se pensaba que no se podría hacer, ya era posible. Los techos altos, paredes delgadas, vidrio en múltiples colores, mucha iluminación hace el estilo gótico reconocido. Gracias a las técnicas nuevas de construir, aparecen múltiples catedrales con este estilo. Aunque, hoy día hay varios catedrales a punto de colapsar. Esta revolución Gótica hizo varios cambios en el campo de la arquitectura y permitía crear estos monumentos impresionantes conocidas como las catedrales góticos.

Secretos del Partenón

El Partenón de Atenas es considerado uno de los edificaciones mas importantes y majestuosos en la historia de la humanidad. Los griegos, obsesionados con la perfección y la belleza, decidieron crear este monumento la cual es tan perfecta en relación con cada pedazo individual. También como las mismas, cuando se juntan, proyectan la perfección y que luego de estudiar, esta supuesta perfección es creada por una ilusión óptica. Esto y muchísimos otros factores crean lo que es conocido como un de las grandes bellezas creadas por humanos, el Partenón de Atenas.

Grecia se encontraba en un tiempo crucial, uno de traslación hacia la democracia y grandes cambios en el mundo de la filosofía, matemática, arquitectura y la ciencia, y buscaban inmortalizar sus ideales de belleza y poder y decidieron reconstruir el Partenón de Atenas, el edifico que representa el poder del imperio griego. El Partenón esta compuesta por un numero de pedazos de mármol, las cuales eran especificas para cada parte, a veces por pocos milímetros. Es compuesta completamente de mármol haciéndola la edificación mas grande de mármol en el mundo para sus tiempos. Para inmortalizar sus ideales, decidieron juntar cientos de escultores para crear los pedazos 1 de 1 específicas del Partenón que, sin la tecnología moderna, pudieron crear un monumento basada en la belleza humana. Este monumento logro mantenerse de pie después de muchos años de batalla y conquista, demostrando el poder arquitectónico de los griegos.

Los griegos, obsesionados con la perfección, crearon un edificio que parece ser perfecta y simétrica con sus columnas, paredes y techos, pero luego de estudiar la misma, se puede denunciar que no es así. El Partenón tiene pocos ángulos de 90 grados y el piso y el techo no son planos, tienen una curvatura mínima que crea una ilusión óptica de simetría. Fue diseñada así para que de lejos pareciera que todo esté simétrico y que haya una relación entre todos los componentes del Partenón. Los trabajadores que construyeron el monumento usaban las proporciones del cuerpo humano para construir en unisón, algo que estaba basado en lo que se conoce como la formula matemática para la belleza, basada en el cuerpo humano. Las columnas tienen hinchazones y curvatura como el cuerpo humano e emplearon lo que Da Vinci nombro el “Golden Ratio”.

El monumento conocido como el Partenón de Atenas es algo mas que una edificación, es una obra de arte de escultura que representa la perfección humana y lo que los humanos pueden hacer basándose en ellos mismos. Demuestra el poder de la unión de talentosas mentes que trabajan para llegar a un acuerdo mutuo. Pienso que la época en que se construyó el monumento era uno muy importante para la humanidad y la misma se presenta en la Partenón. Esta creación elaborada representa el poder del humano.

Estilo y ornamento

La buena arquitectura deja espacio para el estilo y el ornamento, 2 temas muy importantes que van de la mano en el ámbito de la arquitectura. El estilo usualmente esta marcado por una poca y tradiciones que van con la misma. El estilo le puede dar un toque estético al diseño arquitectónico.

En otro lado, el ornamento cae bajo la categoría de estilos que se repiten en una decoración. El ornamento es el detalle de la decoración y se puede comparar con la moda, ya que depende de la época particular y la cultura. El estilo y el ornamento van de la mano para decorar y definir la “personalidad” del edificio.

Sistema material y espacial

En la arquitectura se necesitan 2 tipos de sistemas, material y espacial. El espacial se trata en la distribución de los espacios ya sea por su forma y tamaño mientras que el material se trata de los objetos que se usan para construir incluyendo los controles climáticos creados para regular los areas.

El sistema espacial depende de los espacios para poder construir y crea una lógica en la estructura y cómo emplear los materiales. En la sistema espacial existe la percepción, que se involucra con la vision y el espacio. Conceptos como volumen, superficie, postura y posición influyen en el sistema espacial

Un sistema material, por definición, es una porción de materia confinada en un espacio y tiempo, que se ha seleccionado para el estudio de la misma. En este sistema se sigue una orden estructural. Es un area que tiene ciertos paramentos que adentro de las mismas de estudiara o realizará algún acto. Un sistema material no tiene que ser un cuarto hecho de 4 paredes, puede ser mucho mas y no se limita a las ideas básicas que tenemos los humanos a primera vista. Par crear un espacio se tiene que diseñar, pensar y analizar lo que desea crear y como piensa emplearlo.

La relación entre sistema material y espacial se presenta y se fundamenta en las 2, respectivamente. El espacial distribuye los espacios mientras el material regula los areas.

Diseñar y el gesto arquitectónico

Diseñar y el acto de crear algún objeto se compone de muchos ideas y pensamientos de como crear, idealizar, y poner en practica ciertas partes y ámbitos importantes para llegar al producto final de una manera mas efectiva. Se tiene que tomar en cuenta la parte artística para tener cierto apego y para que sea efectiva se impone la parte técnica. El acto de diseñar compone de pensar, imaginar, analizar. Siempre comienza con una idea principal o algo que el creador quiera hacer o crear algún positivo. Es importante tener las ideas claras y organizadas par que todo fluya y el producto final sea el deseado. Un buen diseño es creativo, artístico y técnico a la misma vez.

El gesto arquitectonico es el acto de poner el diseño en practica, ósea darle una vida. El gesto arquitectónico no existe sin el diseño, pero un diseño pede nunca ser puesta en practica. Un diseño debe ser creativo y único y debe de llamar la atención de muchos y crear un tipo de respeto hacia el creador del diseño. Mientras pasa más tiempo, lo que se conoce como la arquitectura se va desarrollando de una manera mas compleja y complicada. El gesto arquitectónico y el diseño se van de la mano y sin uno de ellos no tendríamos lo que tenemos hoy.

Charles y Ray Eames son los creadores de las sillas reforzadas con fibras de vidrio. Estos vieron un problema o unas necesidades en la sociedad y desearon ayudar con las misma. Diseñaron una silla más fuerte y liviana que las demás que estaban anteriormente diseñadas, gracias a las fibras de vidrio. Esta fibra la colocaron para darle estabilidad a la silla, las cuales se convirtieron en el estándar para arquitectos y muchas otras ramas.

Juntando las necesidades de la sociedad y la intuición del creador, Charles y Ray Eames diseñaron uno de los aparatos más importantes en la historia de la arquitectura. El empleo del gesto arquitectónico y la validez de la misma se presenta con esto.

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Baraka: The Breath of Life

El video nombrado “Baraka” es un tipo de documental que presenta varios ángulos a lo que es nuestro mundo, como los humanos, animales y otros organismos estamos en el mismo planeta y que todo lo que hagamos tiene algún efecto, notable o no.  Comienza con varias imágenes serenas de la naturaleza y cuan sorprendente puede ser. Luego pasa a enseñar varios hechos humanos como la arquitectura y la creación de estos ciudades y edificios. El documental se basa en demostrar diferentes aspectos y maravillas naturales del planeta tierra para que uno pueda internalizar lo que ve y puede reflexionar y aplicarse eso a uno mismo.

En el documental no se oye ninguna conversación entre los habitantes presentados. Demuestra la posibilidad de belleza cuando los humanos conviven en la naturaleza, pero demuestra cuando el humano sobre-podera a la naturaleza y cuando la naturaleza toma lo que es suyo para atrás. Esto se puede relacionar con el debate arquetípico de la funcionalidad vs. la expresividad y cómo los arquitectos tienen que mediar entre muchos para llegar a un acuerdo común.

La realidad es que los arquitectos se ocupan de crear espacios para algún uso, simbólico o funcional, y de eso se fundamenta el pensamiento arquetípico. Es un debate de la polaridad entre lo que hace algo y como ese algo se ve, la cual se puede relacionar al debate de Baraka, de la tierra vs civilization. La madre tierra es poderosa y siempre tomará su propio camino, mientras los humanos destruyen la naturaleza. Y, aunque se puede decir que estamos destruyendo, hemos dado mucho para llegar a donde estamos hoy tecnológicamente.

Dicho esto, resulta que hoy día se terminan explotando los recursos, creando situaciones donde hay una sobre-populacion y no hay recursos para llegar a todos, creando pobreza económica, física y espiritual. Me gustó muchísimo el documental ya que pude meditar y reflexionar sobre las imágenes que estaban presentadas.

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